ISSN: 2542-3134 | Depósito legal: DC2017000086

Aproximación a un estudio estilístico de la obra Las Dos Estaciones (del Trópico Caribeño), de Paul Desenne

Por: María Betania Hernández

Paul Desenne (1959) es uno de los compositores más importantes del entorno musical contemporáneo, no solo en Venezuela, sino también en el ámbito internacional. Su producción musical abarca la música sinfónica, de cámara y solista. Sus obras han sido interpretadas por distintas agrupaciones en diversas partes del mundo. En este artículo se muestra una aproximación al estudio del estilo musical de Las dos estaciones (del trópico caribeño). Obra que, puede decirse, es referente de la contemporaneidad latinoamericana, no solo en el ámbito musical, pues también reúne pensamientos y realidades estéticas propias del trópico y Latinoamérica.

Margarito Aristiguieta, una referencia del Joropo Central en Venezuela

Por: Katrin Lengwinat
Luis Laya
Víctor Márquez

Podría decirse que Margarito Aristiguieta representa al joropero esencial, siempre dispuesto a propiciar y perpetuar el encuentro sagrado entre artistas y bailadores. Tuvo el don para arrebatar palabras al aire y situarlas con maestría durante el yaguazo. Célebre por su buen «grito» y forma de ser alegre, dada a la amistad y la vida bohemia, tras su muerte dejó un anecdotario extenso e intenso, incontables bailes, amores, hijos y una huella indeleble en el canto central. A partir de algunos encuentros personales con este artista único, quien con su manera de cantar referenció el joropo central del siglo XX, se trata de identificar los elementos principales de una manifestación musical de fuerte arraigo popular. De igual forma, se muestran los permanentes cambios que ha experimentado este género en el tiempo. Asimismo, abordamos cronológicamente el ascenso de Aristiguieta a la popularidad a través de sus grabaciones, dadas a conocer fundamentalmente en discos de acetato. Finalmente, caracterizamos su devenir como campesino nacido en los Altos Mirandinos, pero sembrado en la urbanidad periférica de Caracas, dando cuenta de un recorrido de más de sesenta y cinco años como cultor de tradiciones y compositor de innumerables canciones y décimas.

Programas de Educación Musical con énfasis psicosocial

Por: Geraldine Henríquez Bilbao
Ariadna Silva Sánchez

El presente trabajo tiene como objetivo la descripción y análisis de tres programas de educación musical cuyas metas superan la instrucción artística en sí misma, para lograr trascender al plano de la formación ciudadana y el desarrollo psicosocial de sus estudiantes, docentes y colectivos involucrados. Se trata de los programas educativos de base del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Infantiles y Juveniles de Venezuela (Fundamusical); el programa Construir Cantando de la Schola Juvenil, parte de la Fundación Schola Cantorum de Venezuela, y el programa Semillas de Armonía para la optimización de la calidad de vida de niños, niñas y adolescentes. La modalidad metodológica está enmarcada en un estudio teórico-descriptivo del contenido a tratar y las conclusiones giran en torno a las coincidencias encontradas entre los programas descritos y la pertinencia de los mismos para la construcción de una sociedad en óptimo desarrollo, desde las experiencias venezolanas, generalizables a otras latitudes.

Una aproximación analítica a la Polifonía del Ars Antiqua: El Ave Maris Stella (HU) como caso de estudio

Por: Ángel Antonio Chirinos Amaro

Una preocupación de los medievalistas en las últimas décadas es despojar a la Edad Media de la etiqueta de «edad oscura», lo que en el ámbito musical se traduce como una consideración hacia la música de este período como «música no desarrollada del todo». Por otro lado, para los músicos modernos acercarse al repertorio medieval es una situación que necesita de preparación, adaptación y de herramientas que permitan entender y, consecuentemente, interpretar esta música. La confluencia de ambas circunstancias ha animado la realización de este texto, que pretende ser un aporte a la disciplina del análisis musical que ayude a poner en su justa dimensión un arte de no menos altura que músicas de siglos posteriores y que, en última instancia, genere herramientas para la compresión de dicho repertorio; circunstancia necesaria para garantizar su pervivencia en el escenario performativo. Como podremos ver a continuación, la polifonía del Ars Antiqua está cuidadosamente estructurada y atiende a parámetros como el texto y el discurso modal. Este último se articula como una combinación sucesiva de fragmentos; cada uno de ellos en mayor o menor medida autónomos en cuanto a su comportamiento, pudiendo tener una finalis diferente a la del modo a la que esta nos remite, apoyándose en la estructura y el sentido del texto. Para arrojar luz sobre esta manera de organizar el material sonoro describiremos cómo se enfocan el tratamiento de la consonancia/disonancia, los motivos, el sentido vertical de la construcción polifónica y como estos interactúan entre sí y con el texto, que funciona como gran estructurador del discurso. Partiendo de esto, usaremos un estudio de caso que nos servirá para observar cómo funcionan estos en una pieza concreta del repertorio. A través del texto, el estudio de estos elementos se ha orientado a describirlos y analizarlos separadamente y en su interacción, atendiendo a la naturaleza del pensamiento medieval para el cual el conocimiento es más bien un todo armónico.

Sentimiento Muerto y Paul Gillman: Dos arquetipos culturales en la Caracas de los años ochenta

Por: José Manuel López D'Jesús

En 1980, Caracas se convierte en una ciudad articulada por un imaginario musical contracultural, específicamente en dos zonas: Chacao y Bello Monte. Dicho imaginario emerge de dos tendencias musicales heredadas del rock: la de los años cincuenta y la que ocurre en Inglaterra para la década de los años setenta: el heavy metal y el pospunk. En el inconsciente colectivo nacional suenan –diez años después– los dos nombres de los arquetipos culturales emblemáticos en cada uno de estos géneros: Paul Gillman y Sentimiento Muerto, respectivamente. Este texto expone cómo estos arquetipos culturales se insertan en dichos sectores a través de su música, su estética corporal y el discurso de sus canciones, transformándose en referentes de la cultura rock en el país y funcionando desde dos caracterizaciones: la del héroe libertino en el caso de Paul Gillman y la del héroe épico en el caso de Sentimiento Muerto.

Silbido en vez de palabras

Por: Arianna Ruiz Leonardis

El objeto de estudio de este trabajo fue el silbido como sistema de comunicación en microbuses de Maracaibo (estado Zulia). Se analizó el silbido como código cultural, se examinaron las diferencias entre chiflar y silbar y, por último, se analizaron sus características. La investigación adquirió un enfoque fenomenológico y hermenéutico, con base en la semiótica. Con carácter exploratorio, las muestras se derivan del trabajo de campo y la observación, sin desdeñar fuentes documentales y entrevistas. Se concluye que el silbido es un sistema de comunicación en los microbuses de Maracaibo, dándose el proceso comunicativo a través de una trasmisión no verbal. Por último, el chiflido está asociado culturalmente a los hombres, pues no se observó a ninguna mujer chiflando en los microbuses.

Más allá de lo acústico y lo electrónico: en búsqueda de la música mixta

Por: Antonio Giménez Fréitez

Las nuevas tecnologías aplicadas a la música han demandado una nueva aproximación a la composición musical, dando origen a géneros musicales como la música concreta, música electroacústica, música electrónica, música mixta, música live (improvisación manipulando software en tiempo real) y música multimedia. La música mixta surge como una necesidad artística de combinar instrumentos acústicos «tradicionales» con sonidos electrónicos que representan la luthería instrumental propia de nuestra época, siendo ambos de naturaleza sonora muy diferente. Esta situación de novedad plantea nuevos retos de investigación musical, sobre todo en aspectos pertinentes a la creación y el análisis. En este ensayo se propone una serie de consideraciones históricas, estéticas y técnicas sobre la música mixta, que para muchos representa la manifestación musical más original del siglo XX y, posiblemente, se convertirá en la música que influenciará la mayoría de las tendencias compositivas en el siglo XXI.

Afianzando la colaboración intérprete-compositor para crear repertorio: una relación sinérgica

Por: Luis Ernesto Gómez

En este artículo se expresan escenarios y argumentaciones de acciones colaborativas del intérprete solista con el compositor a la hora de crear un repertorio conectado con intereses mutuos, asumiendo el rol especializado e independiente en ambas áreas. La sinergia es la capacidad de lograr que el todo sea más que la suma de las partes, la forma óptima relacionante. La exploración lúdica-vanguardista, el interés pedagógico-técnico o el simple provecho de poseer un repertorio inédito, exclusivo o adaptado a una idiosincrasia particular, pueden servir de motor a un intérprete solista o a una agrupación para solicitar nuevas obras a los compositores activos de trayectoria comprobada que tienen a su alcance. Se muestran ejemplos colaborativos en la música del siglo XX y, a su vez, se destaca el trabajo realizado por García (2014), como cimentador del rol clave del intérprete solista en la creación de un repertorio con pertenencia artística donde la obra nace sinérgicamente entre el intérprete y el compositor profesional. Por último, se subrayan las ventajas de fomentar este tipo de línea investigativa, tanto en el ámbito académico como en el artístico, para todos los intérpretes que tengan en mente desarrollar una carrera como solistas.

Venezuela 4, grupo Raíces de Venezuela y El Cuarteto, piezas fundamentales del cambio estético de la música instrumental de raíz tradicional venezolana a partir de los años 70

Por: Jamshid Miguel Porras Becerra

Los estudios de la música en Venezuela han estado en su mayoría orientados a los movimientos musicales académicos, lo cual ha generado un vacío en la historia de la música tradicional, a pesar de que con la llegada, en el siglo XVI, de las primeras vihuelas al país, específicamente en Cubagua, se puede considerar que comienza esta historia. Esta búsqueda nos lleva al final del siglo XX, cuando se genera un movimiento sin precedentes en muchos aspectos de la cultura venezolana, entre ellos la música, que es el caso que nos concierne, donde se desarrollaron cambios sustanciales en cuanto a a arreglos, composiciones y técnicas. La finalidad de esta investigación es considerar a los grupos Venezuela 4 de Luis Laguna, Raíces de Venezuela y El Cuarteto, como piezas fundamentales del cambio estético de la música instrumental de raíz tradicional venezolana a partir de los años 70, cuando iniciaron sus actividades musicales. Estas agrupaciones van a crear un nuevo concepto. Los arreglos, el formato, los géneros a interpretar, las formas de expresión y la ejecución van a ser las claves del cambio en relación con la música que se venía haciendo en el país.

«Gloria al bravo pueblo»: un enigma, una polémica en el tiempo

Por: Ignacio Andrés Barreto Esnal

Este ensayo combina, a través de un recorrido cronológico, un estudio comparativo de las distintas versiones, manuscritas y editadas, de la canción «Gloria al bravo pueblo», Himno Nacional de Venezuela, con las diferentes posturas que han surgido, a lo largo de un siglo, en relación con el autor de esta obra, en un intento por acercarnos a su verdadera identidad. Se agregan a los planteamientos presentados, nuestras propias conclusiones a partir de la ubicación de una edición de 1872, y de un manuscrito para banda de 1870 que no fueron considerados por los protagonistas de la polémica.